La visión de los fotógrafos en la revolución mexicana…

Tomada de La Jornada

Viernes 20 de noviembre de 2009

• Fundación Televisa publica libro con trabajos de 305 retratistas mexicanos y extranjeros

Documentan “una historia de la visión de los fotógrafos” sobre la Revolución

• El volumen será presentado en la FIL de Guadalajara, adelanta Miguel Ángel Berumen

Fotografía del grupo en el que figuran algunos de los fotorreporteros más notables de la ciudad de México, c. 1910. De izquierda a derecha: Armando Morales, Agustín Víctor Casasola, Antonio G. Garduño, Miguel Uribe, Manuel Ramos, Abraham Lupercio, Ezequiel Álvarez Tostado, un hombre no identificado, Gerónimo Hernández y Antonio Carrillo

Merry MacMasters

Para los festejos de 2010, la punta de lanza de la Fundación Televisa en materia cultural en torno al centenario de la Revolución Mexicana es el libro México: fotografía y revolución, el cual no propone un recuento del movimiento armado, sino “una historia de la visión de los fotógrafos sobre el hecho histórico”, expresa Miguel Ángel Berumen, director de la investigación que permitió al equipo de especialistas identificar a 305 retratistas, entre mexicanos y extranjeros, dato desconocido hasta el momento. Y eso que hay más. México: fotografía y revolución, cuya edición de lujo consta de 400 páginas e igual número de imágenes, será presentado el primero de diciembre en la Feria Internacional del Libro (FIL) de Guadalajara. Para mediados de diciembre estará a la venta en librerías, mientras en enero próximo aparecerá una edición de menor costo, en pasta blanda, con 240 páginas, informa Mauricio Maillé, director de artes visuales de Fundación Televisa. Parte de los materiales incluidos provienen de la colección fotográfica de la fundación. El volumen abre con una fotografía de Miguel Casasola, en la cual la figura del presidente Porfirio Díaz, “apenas discernible de perfil y cubierto con una boina”, se funde con los integrantes de su comitiva durante la inauguración de una carretera en Chilpancingo, Guerrero, en 1909. Es la única imagen de Díaz en el libro y es evidente que el autor “escapó aquí del típico control que el jefe del Estado Mayor imponía a los fotógrafos al retratar al presidente de la República”, se describe en el pie de foto. Para Berumen “el chiste es ver sin ser visto”. Inclusive, Casasola se da el lujo de poner en el encuadre una cámara con trípode a la manera de un “juego”, para hablar de “la fuerza que el fotógrafo pueda tener sobre un hecho histórico”. También incorporó un cactus y banderas. Sigue una imagen de Samuel Tinoco en la que aparece de espaldas el iniciador de la Revolución, Francisco I. Madero, que “evoca la muy conocida iconografía de jinetes galopando entre magueyes y perfilados contra cielos de protagónicas nubes que difundiría el cine de Sergéi Eisenstein y del Indio Fernández”. Completa el trío una fotografía de 1910 de Manuel Ramos, uno de los fotorreporteros más notables de la ciudad de México.

Foto Retrato de revolucionarios, c. 1914, fotografía de Estudio Cachú Hermanos

Los capítulos introductorios están a cargo de Mauricio Tenorio Trillo, titular del Centro Katz en la Universidad de Chicago, y Laura González Flores, del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Los capítulos centrales reflexionan, entre otras cosas, sobre la gran cantidad de imágenes que “Claudia Canales, Marion Gautreau y yo habíamos visto a lo largo de casi 10 años de investigación en diferentes proyectos, pero que no habían aparecido publicadas. “Los diarios publicaron mucho menos fotografías que las revistas ilustradas, pero aun ésas que tenían un poco más de tiempo estaban sujetas a la inmediatez y tenían que contar con las fotografías disponibles. Había periódicos que tenían fotorreporteros de planta, pero la mayoría estaba en la ciudad de México, donde hubo menos actos relacionados con la lucha armada, con la excepción de la Decena Trágica y las entradas que hicieron los diversos ejércitos. “Los teatros de operaciones estaban en otros lugares de la República, como Chihuahua, donde el fotoperiodismo era casi nulo, aunque había fotógrafos de estudio y aficionados. En el caso de Chihuahua los que aprovecharon esa oportunidad de documentar la Revolución fueron los fotorreporteros experimentados de Estados Unidos. Cuando los diarios estadunidenses sólo podían mandar al reportero, contrataban a un estudio local de El Paso, Texas, por ejemplo, para que tomara las fotos. Hay una serie de combinaciones, que no estaban muy claras en el estudio de la fotografía de la Revolución, que este libro va a aclarar.” La biblioteca pública de El Paso resguarda 5 mil negativos de la antigua colección Scott Photo Company, entre los que 2 mil son de la Revolución. El equipo de especialistas estableció que hay entre 250 y 300 mil fotografías de esa gesta en archivos públicos, y respecto de los privados se desconoce la cifra. El libro estudia el periodo de 1910 a 1921. Uno de los anexos reproduce las 50 imágenes de la Revolución más publicadas, por tanto, icónicas, mientras otro es una especie de diccionario de los fotógrafos identificados, aunque no siempre se dispone de mucha información.

La nostalgia instantánea se hace presente…

El regreso triunfal de Polaroid

Jossette Rivera

Tomada de BBC Mundo

Las cámaras tuvieron tanto éxito que se cree que hay más de 1.000 millones en el mundo. Más de un año después de haber suspendido la producción de la famosa cámara instantánea Polaroid, esta semana directivos de The Summit Global Group -la dueña de la licencia- anunciaron en una conferencia de prensa que pondrán nuevamente a la venta algunos modelos. “Estamos realmente extasiados al ver que había una fuerte comunidad de aficionados que fueron más allá de pedir una nueva película, la exigieron” dijo Lorrie Parent, vocera de la compañía. El año pasado y y tras varios conflictos financieros, la empresa anunció que dejaría la fotografía análoga para poner todos sus esfuerzos en la era digital. Parecía que la era Polaroid había muerto. Tras la resurrección de este icónico artefacto está la presión ejercida por The Impossible Project (El Proyecto Imposible), un grupo de nostálgicos que tras el anuncio de la suspensión de producción tanto de cámaras como de películas decidieron no renunciar a las fotografías instantáneas y se pusieron a a fabricar una nueva película para las cámaras ya existentes. En el comunicado emitido en Hong Kong, The Summit Global Group anunció que ha comisionado a The Impossible Project el “desarrollar y producir una edición limitada de películas instantáneas a mitad de 2010″. El proyecto no tan imposible Florian Kaps, fundador de The Impossible Project. Cortesía: The Impossible Project Florian Kaps y otros dos aficionados fundaron The Impossible Project La idea de rescatar la fotografía instantánea nació apenas Polaroid detuvo la producción de películas y cerró sus fábricas en Holanda y México. En ese momento The Summit Global Group compró a Polaroid y todo indicaba que la era digital le había ganado la batalla a la fotografía instantánea análoga. “Estábamos tan enamorados de la fotografía instantánea y simplemente no queríamos dejar morir uno de los más grandes inventos de la historia”, le dijo a BBC Mundo, Marlene Kelnreiter, vocera de The Impossible Project Para octubre de ese año, un grupo de empresarios, ex trabajadores y aficionados de “la polaroid” rentaron la planta de producción de Enschede en Holanda, adquirieron la maquinaria y pusieron en movimiento a un equipo de especialistas en producción de películas pensando que se trataba de un proyecto imposible. El objetivo era “reinventar” la vieja película instantánea –de la cual algunos componentes ya ni siquiera estaban disponibles- y lanzar una película con siete nuevas características que la hicieran duradera y actual para alimentar a las más de 1.000 millones de cámaras “vintage” que están en el mundo.

Florian Kaps y otros dos aficionados fundaron The Impossible Project

En boca de todos Logo de The Impossible Project. Cortesía: The Impossible Project “Estábamos tan enamorados de la fotografía instantánea y simplemente no queríamos dejar morir uno de los más grandes inventos de la historia” Marlene Kelnreiter de The Impossible Project La idea sonaba bien, pero no las monedas. Al proyecto le hacía falta dinero. Para financiarse, se pusieron en práctica varias ideas. La estrategia principal fue hacer que Polaroid volviera a estar en boca de todos: despertar la nostalgia, el gusto y la curiosidad por la vieja máquina de fotos instantáneas. Entonces apareció la marca de ropa y accesorios Urban Outfitters, que lanzó a la venta una versión limitada de las últimas cámaras Polaroid existentes con un cartucho de película. También se creó un sitio de internet dedicado a la remembranza. “Los ayudamos en su misión de volver a la vida a la fotografía instantánea (…) estamos orgullosos de apoyarlos con un producto exclusivo Polaroid y una muestra de fotografía” anunció la marca. El éxito fue inmediato. Las cámaras y los últimos cartuchos de película se vendieron en días. Polaroid no tuvo más que regresar sobre sus pasos. “Relación estratégica” Estamos realmente extasiados al ver que había una fuerte comunidad de aficionados que fueron más allá que pedir una nueva película, la exigieron Lorrie Parent, vocera de Polaroid. En la conferencia de prensa en Hong Kong, The Summit Global no sólo habló de sus planes de volver al mercado si no de la relación estratégica con The Impossible Project. Los “nostálgicos” serán los encargados de dar vida al nuevo material fotográfico que sustituirá a aquel que se producía desde 1972 con una misma receta de 20 componentes. Una producción a gran escala y en venta alrededor del mundo de la nueva película integral de The Impossible Project bajo su propia marca saldrá al mercado el año que viene. “Esta decisión probablemente nunca hubiera sido tomada si The Impossible Project no existiera. Somos los únicos capaces de producir material fotográfico nuevo y creamos todo este ruido alrededor de nuestra misión de salvar la fotografía instantánea análoga que provocó pedidos de los consumidores”, le dijo a BBC Mundo Kelnreiter y agregó: “Polaroid ahora reconoce un nuevo e interesante potencial”. Las primeras películas prometen ser en un “sorprendente” blanco y negro y poco más tarde se lanzarán las de color que -aseguran sus creadores- no se convertirán en sepia con el paso del tiempo.

Fotografía “surrealista” en Puebla, México…

Tomada de La Jornada

Reflejan el espíritu surrealista con una muestra fotográfica

• Por primera vez, se contrastarán trabajos de artistas mexicanos con sus pares franceses y británicos, adelanta José Antonio Rodríguez.
• Abrirán exposición colectiva en el Museo Amparo, de la ciudad de Puebla.
• Reúnen 229 imágenes; 150 son del Centro Georges Pompidou.

Distorsión no. 60, París, 1933, fotografía de André Kertèsz, incluida en la colectiva que se abrirá en Puebla. Foto: Fabiola Palapa Quijas

La muestra El sabotaje de lo real: fotografía surrealista y de vanguardia. Visiones cruzadas entre México y Europa desde los años veinte a los sesenta reúne a grandes artistas como André Kertèsz, Brassai, Man Ray, Maurice Tabard, Henri Cartier-Bresson, Manuel Álvarez Bravo, Tina Modotti, Kati Horna y Nacho López, entre otros.

Distorsiones del cuerpo femenino, fotografías enfrentadas a su imagen real, la sensación de realidad pese a ser ficción son algunas características de los 229 trabajos que integran la exposición colectiva que este viernes será inaugurada en el Museo Amparo, de Puebla.

Las imágenes provienen de la colección permanente del Centro Georges Pompidou (Museo Nacional de Arte Moderno de París), así como de colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos, la Fundación Televisa, los museos de Arte Moderno y Nacional de Arte, Ava Vargas y el Archivo Fotográfico Kati Horna.

Las colecciones fotográficas del centro Pompidou, conformadas durante más de 30 años, constituyen el principal acervo público y privado para el estudio y conocimiento de la fotografía surrealista a escala mundial.

Imaginación en libertad

Nunca se había exhibido una muestra de esta naturaleza. En la historia reciente de proyectos fotográficos no habíamos tenido la oportunidad de ver obra de la colección del Pompidou. Es importante que el Museo Amparo haya concretado esta exposición, explica en entrevista con La Jornada, el investigador José Antonio Rodríguez.

El especialista es autor de uno de los textos que incluye el catálogo de la exposición sobre la obra surrealista y de vanguardia de los artistas mexicanos.

Al respecto, precisa que la colectiva tiene dos líneas: la vanguardia y el surrealismo.

“Dentro de las diversas vanguardias que se dieron en México y en Francia en los años 20 y 30, el surrealismo se convirtió en una línea fundamental de la producción visual en el país.

“La historia de la fotografía en el país siempre ha estado a la par de la internacional. En mayo de 1928, en Francia, surgió el salón de los independientes, y en agosto de 1928 aquí se creó el primer salón de la fotografía, donde aparecieron nuevas manifestaciones y construcciones visuales.

Varias imágenes de fotógrafos mexicanos se contrastarán con las de los artistas franceses de la primera mitad del siglo XX, y algunos ingleses como Bill Brandt. Aquí se establecerán ciertos paralelismos de cómo Eugé Atget influyó en la visión de la modernidad, no sólo francesa, sino también mexicana.

Rodríguez explica que el público conocerá la etapa surrealista de Nacho López, poco difundida, así como la obra original de Brassai, Man Ray y Maurice Tabard, que por primera vez se exhibe en México.

El sabotaje de lo real: fotografía surrealista y de vanguardia. Visiones cruzadas entre México y Europa desde los años veinte a los sesenta, sostiene el investigador, incluye obra original, como El violín de Ingres, realizada en 1920 por Man Ray: la espalda de una mujer que semeja un violín; una imagen de Lupe Marín, que Cartier-Bresson prohibió publicar, y fotografías del mexicano Agustín Jiménez, quien retoma la vanguardia alemana, rusa e incluso a la francesa para hacer su propia versión.

En los años 30 del siglo pasado, México representó –para los surrealistas europeos– el sitio ideal para desarrollar su invención artística, motivados en primer lugar por las visitas al país de Antonin Artaud y André Breton, padre del surrealismo, quien en 1938 bautizó al país como el lugar del surrealismo por excelencia.

A su regreso a Europa, Breton organizó en la Galería Renou & Colle, de París (1939), una exposición dedicada a México, en la cual incluyó obras de Manuel Álvarez Bravo, Frida Kahlo y José Guadalupe Posada, así como una serie de objetos de arte popular que en su conjunto mostraron la decisión surrealista de abolir toda jerarquía entre los trabajos de la creatividad humana, siempre que se pudiera descubrir en ellos la presencia de la imaginación en libertad.

Más de 40 fotógrafos

Miguel Cervantes, museógrafo del Museo Amparo, explica a La Jornada que la muestra El sabotaje de lo real… está dividida en tres secciones: poética urbana, cuerpos desacordados y cosas soñadas. Asimismo, incluye frases literarias para enfatizar en el contexto del surrealismo.

Cada una de las secciones se subdivide y las 229 fotografías, de las cuales 150 provienen del centro Pompidou, están distribuidas en 13 salas.

La exposición fotográfica refleja el espíritu surrealista que va desde los años 20 hasta los 40 en Europa y en México hasta los 60.

Con la curaduría de la mexicana Ángeles Alonso Espinosa y del francés Quentin Bajac, la muestra sugiere este acercamiento entre fotógrafos que comparten el gusto por cuestionar lo real.

El Museo Amparo albergará la obra de más de 40 artistas, entre los que figuran Claude Cahun, Dora Maar, George Platt Lynes, Herbert Bayer, Jindrich Styrsky, Hans Bellmer, Marcel Marien, Edward Weston, Pierre Boucher, Ilse Bing, Raoul Ubac, Lucien Lorelle y Werner Rohde.

Así como de los fotógrafos mexicanos Emilio Amero, Lola Álvarez Bravo, Antonio Reynoso, Juan Crisóstomo Méndez, Kati Horna, Tina Modotti, Manuel Álvarez Bravo y Agustín Jiménez.

El sabotaje de lo real: fotografía surrealista y de vanguardia. Visiones cruzadas entre México y Europa desde los años veinte a los sesenta del siglo XX, concluirá exhibición el 31 de agosto en el Museo Amparo (calle 2 Sur 708, Centro Histórico de la ciudad de Puebla).

Ingrid

Tomada de El País

Ingrid, un lugar para los amigos

Una película y una muestra exploran las posibilidades artísticas y el narcisismo de las redes sociales

ROBERTA BOSCO, Barcelona, 26/05/2009

Es fotógrafa, odia las puertas y le gusta la música de Krakovia y los dibujos de MagicoMora, artistas más o menos ajenos a los circuitos establecidos que, como ella, pueblan MySpace y otras comunidades virtuales. Se llama Ingrid y también es guapa y suficientemente narcisista para convertirse, a sus 24 años, en la principal protagonista de su obra. Imágenes que van desde la inocencia naïve hasta las más consolidadas estrategias eróticas de seducción visual. De todo esto y mucho más nos enteramos en su MySpace, contenedor de fotografías, música, trabajos y pensamientos, donde se difuminan los límites entre obra y vida, público y privado, material e inmaterial.

Ingrid es un típico espécimen de la denominada generación Y, comunidades de jóvenes artistas que viven y trabajan en Internet, indiferentes a las leyes del mercado y del mundo del arte. Que sea un personaje de carne y hueso o ficticio es secundario, lo que importa es su identidad en la Red, una identidad que puede desaparecer sin dejar rastro en cuanto su propietario se canse de ella.

Eso fue lo que pasó en la vida real al cineasta catalán Eduard Cortés, quien chateó durante meses con alguien que de pronto desapareció de la Red y de su vida, sin que él consiguiera volver a encontrarle a pesar de todos sus esfuerzos. De esta experiencia ha surgido un proyecto artístico, formado por una película, una exposición y dos espacios virtuales en Internet. Ingrid, la película, se estrenará en septiembre en festivales y salas comerciales y simultáneamente se ofrecerá en Internet para su descarga gratuita. “Es un error pensar que así la gente no irá al cine, al contrario creo que es un incentivo para que deje la pantalla del ordenador por la del cine”, asegura Cortés.

Imágenes de la exposición del Palau de la Virreina Ingrid Last Login. Obra del artista Marc Torrent.-

Mientras tanto, el Palau de la Virreina de Barcelona acoge hasta el 21 de junio la exposición Ingrid Last Login, que plasma el proceso de creación del personaje ficticio de la protagonista: una chica con flequillo y mirada enigmática, símbolo de un colectivo de jóvenes creadores, que alimenta centenares de blogs. Fotógrafos como Cordelia, Lenoir o MuteBox, performers como LadyPain o Lyona, y músicos como Russian Red, Manos de Topos o Love of Lesbian, demuestran que Internet ha otorgado una inesperada visibilidad a nuevos artistas. Para Cortés, elegirles y convencerles para salir del espacio virtual no fue cosa fácil. “Al principio no les interesaba. Buscan otras formas de reconocimiento, miden su éxito en acceso a sus web, verdaderos referentes globales, que superan ampliamente el millón de visitas mensuales”, afirman Xavier Atance y Sole Fernández, comisarios de la exposición, que reúne y analiza el entorno creativo de la generación Y, “formado por jóvenes individualistas, infieles, creativos, espontáneos e inquietos, en permanente evolución, así como sus obras son permanentes work in progress”.

En el filme tan sólo hay tres actores profesionales, todos los demás son bloggers que se interpretan a sí mismos, aunque según el guión y los diálogos de la ficción imaginada por Cortés, que empieza en el loft de Ingrid. Este espacio, recreado en la sala de exposiciones, acoge ensayos de grupos musicales, performances y otros eventos, que no se anuncian en los canales tradicionales, sólo a través del boca a boca virtual: blogs, redes sociales y alrededores. Mientras llega la película, para entrar en el mundo de Ingrid, además de la muestra, que naturalmente tiene su versión virtual (www.ingridlastlogin.es), está el MySpace de la fotógrafa (www.myspace.com/x_ingrid_x), donde exhibe permanentemente sus gestas cotidianas. “Ingrid es una voz que habla de la necesidad de explorar nuestros límites como artistas”, concluye Cortés.

Adios Mario…

CERRAR LOS OJOS, por Mario Benedetti, Montevideo 2008

Cerremos estos ojos para entrar al misterio

el que acude con gozos y desdichas

así / en esta noche provocada

crearemos por fin nuestras propias estrellas

y nuestra hermosa colección de sueños

el pobre mundo seguirá rodando

lejos de nuestros párpados caídos

habrá hurtos abusos fechorías

o sea el espantoso ritmo de las cosas

allá en la calle seguirán los mismos

escaparates de las tentaciones

ah pero nuestros ojos tapados piensan sienten

lo que no pensaron ni sintieron antes

si pasado mañana los abrimos

el corazón acaso de encabrite

así hasta que los párpados

se nos caigan de nuevo

y volvamos al pacto de lo oscuro

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La noticia:

http://www.elpais.com/articulo/cultura/Adios/poeta/compromiso/elppgl/20090517elpepucul_6/Tes

http://www.jornada.unam.mx/2009/05/18/index.php?section=cultura&article=a10n1cul

http://www.eluniversal.com.mx/notas/598659.html

http://www.bbc.co.uk/mundo/america_latina/2009/05/090518_video_benedetti_ms.shtml

Pata de perro, Héctor García y su trajín…

Tomada de La Jornada

Recopilación biográfica de Norma Inés Rivera, que se presenta hoy en Bellas Artes

Pata de perro, narración viva del incesante trajín de Héctor García

Incluye 350 imágenes célebres e inéditas de su archivo personal
Puede ser un gato frente a una construcción solitaria o un indígena en las gradas de la pirámide, dice Monsiváis en el prólogo.

Ángel Vargas

Ni el destino, ni la suerte tienen cabida en las creencias de Héctor García. A sus casi 86 años, que cumplirá el próximo 23 de agosto, mantiene la convicción de que es la vida la que te va llevando.

Y en ese trajín que le ha tocado encarar en su longeva existencia, antes de consolidarse y ser reconocido como uno de los fotorreporteros y fotógrafos mexicanos más importantes de la segunda mitad del siglo XX y lo que va del XXI, debió sortear pasajes y situaciones muy duros y crudos, incluso algunos inimaginables.
El recuento comienza desde su prematura salida del hogar familiar y convertirse prácticamente en un niño de la calle, hasta su reclusión en la correccional, amén de tener que buscar diversas maneras y oficios para subsistir.
Fue vendedor de chicles, voceador, barrendero y mensajero, además de que no pudo resistirse a la promesa del sueño americano y emprendió el viaje allende el Río Bravo, como bracero.
Esa es la historia a la que nos adentra el libro Pata de perro. Biografía de Héctor García, de la periodista Norma Inés Rivera, amiga del fotógrafo desde hace un cuarto de siglo, y quien se dedicó cuatro años a recabar vivencias, recuerdos y anécdotas de este personaje nacido en la ciudad de México, en el populoso y céntrico barrio de La Candelaria de los Patos, en 1923.

Héctor García en La Candelaria de los Patos, el barrio de su niñez, en una imagen de 2004, que se incluye en el volumen editado por el CNCA

Constante de su obra, la soledad

Editado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CNCA), el volumen será presentado hoy en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, a las 12 horas, con la participación de la autora, así como de los fotógrafos Marco Antonio Cruz y Héctor García Sánchez, este último hijo del maestro.
En el prólogo, Carlos Monsiváis, además de situar la importancia del trabajo de Héctor García en el panorama del periodismo gráfico y la fotografía en México, destaca que el común denominador de parte notable de su obra está constituido por el encuentro y el rencuentro con la soledad.
No en balde perteneciente al linaje de Manuel Álvarez Bravo, Héctor García también se aboca a la soledad, a los señalamientos de la luz o la fortuna de la mirada (a lo que se entrena para gozar de los enriquecimientos súbitos). Puede ser un gato frente a una construcción solitaria, o un indígena en las gradas de la pirámide…, apunta el escritor y periodista.
“García, habitante del relajo, cómplice de las masas, seguidor de fiestas móviles y marchas desacralizadoras, es el mismo que no renuncia a estar allí, el solitario frente a la soledad, en la alborada o la noche ‘de la indecible poesía’.”

Desde una perspectiva más biográfica, Monsiváis nos remonta al punto donde el maestro forjaría su futuro como fotógrafo, al tomar sendos cursos técnicos en las academias de Artes Fotográficas de Nueva York y la de Arte Cinematográfico, en 1944 y 1946, respectivamente.

“De modo más serio y profundo, él se considera discípulo de Manuel Álvarez Bravo, quien a través de su obra lo enseña a extraer ‘revelaciones’ (sinónimo de imágenes únicas) de lo que le rodea, a situar la autonomía de las formas más variadas, a reconocer la belleza como un objetivo primordial, quizá desde una perspectiva romántica”, escribe.
Héctor García en La Candelaria de los Patos, el barrio de su niñez, en una imagen de 2004, que se incluye en el volumen editado por el CNCA

“También más seriamente, García recibe la otra formación fotográfica, la ofrecida por el conocimiento de la época. En 1946 inicia su carrera de fotorreportero en Celuloide, semanario de promoción de ‘estrellas’ (…) A García ningún trabajo reporteril le parece humillante o difícil, asiste a los actos más esotéricos (el cine tiene también su carta astrológica), revela e imprime las fotos de sus colegas, y retrata la pasarela de las vanidades, de los convocados al éxito que el año siguiente o dos años más tarde se ubicarán en la cima del anonimato.”

¿A quién no ha fotografiado?

Además de su excepcional e invaluable trabajo como cronista gráfico de la realidad política y social de nuestro país, ¿a quién ha fotografiado Héctor García desde entonces? Decir que prácticamente a todos los personajes de la política, la cultura, el arte, la ciencia y el espectáculo de la segunda mitad del siglo XX mexicano no resultaría una exageración, de acuerdo con la somera lista que hace el escritor.
En ella hay personajes tanto nacionales como provenientes de otros países. Desde Diego Rivera, Frida Kahlo, André Malraux, Pablo Neruda, Luis Buñuel, Fidel Castro, El Che Guevara, Salvador Allende, Pedro Infante y Tin Tan, hasta los palestinos, los mayas, los huicholes, los migrantes en California y los héroes del trabajo (naturalmente anónimos).
Escrito en primera persona, en las 465 páginas de Pata de perro se incluyen 350 imágenes del archivo personal de Héctor y María García, algunas célebres o emblemáticas, y otras inéditas.
Entre los aspectos que revela don Héctor a través de Norma Inés Rivera en este libro, está el sufrimiento que desde muy temprana edad provocó en su madre ante su naturaleza indómita.
“Tal vez porque como dicen, ‘la cabra siempre tira al monte’ y yo llevaba en la sangre la vagancia y el espíritu de aventura de mi padre, así como su obsesión por la libertad”, cuenta.
Se convirtió en habitante de la calle desde los siete años, cumpliendo un fatal augurio de su madre, quien lo había bautizado pata de perro, y se fue a vivir a las aceras de Bucareli, donde vendía periódicos.
Ocasionalmente regresaba a casa, ansioso de calor y cariño; pero también anhelaba la libertad, según recuerda. Uno se escapa de su casa porque tiene la necesidad de estar lejos de tutelas, de ser independiente.

arte y belleza…

Tomada de El País

REPORTAJE

Un inquietante y temible servidor de la belleza

El artista Jan Fabre instala en Madrid su radical apuesta por la ‘performance’

ISABEL LAFONT
Madrid

El artista Jan Fabre (Amberes, 1958), practicó hace unos meses su “terrorismo poético” en el Louvre. En tan venerable espacio instaló sus esculturas y realizó una titulada Homenaje a Jacques Mesrine (El arte me mantuvo fuera de la cárcel). Louvre 2008. En esa acción, Fabre se metió en el papel del famoso ladrón, contrabandista, asesino y escapista, que llegó a ser considerado enemigo público número uno de Francia. Cambió de disfraz varias veces, como hacía el Mesrine original para protagonizar sus increíbles fugas y, al final, cayó abatido a tiros por la policía “con el mismo número de balas” que mataron al popular delincuente en 1979. “Los tres temas de esa performance eran la huida, la metamorfosis y el amor”, dice el artista. Se trata de una de las principales referencias del arte conceptual actual y así se explica en conversación telefónica, días antes de inaugurar en la galería Espacio Mínimo de Madrid la exposición titulada La huida del artista. En ella se estrenará la película de 45 minutos que resume la performance del Louvre. También se mostrarán ocho fotografías de la misma acción, 21 nuevos dibujos del artista y una inquietante escultura autorretrato de Fabre.

Jan Fabre_escultura

“La verdad sólo se encuentra en situaciones extremas”
“La performance del Louvre me dejó exhausto mental y físicamente”, recuerda. ¿Y qué busca un artista en los límites de su propia resistencia? “Hacer que mi cuerpo sea vulnerable y verdadero. La verdad sólo se encuentra en situaciones extremas, tanto psicológicas como biológicas”. El cuerpo y la mente contra las cuerdas. Como hace cuatro años, cuando realizó en el Palais de Tokio de París una performance con Marina Abramovic, otra artista que usa su cuerpo como materia prima de sus acciones. Los dos se enfrentaron durante cuatro horas en una cápsula de vidrio en la que, primero protegidos por una armadura de metal diseñada por Fabre y luego desnudos, practicaron el culto al sacrificio y al perdón, hiriéndose mutuamente con armas de metal y comunicándose con el público mediante mensajes escritos con su propia sangre. “Para mí, una performance es una perforación en mí mismo en la que me hago preguntas y aterrorizo mi mente y mi alma de forma poética”, indica.

Pero… ¿de qué escapa Fabre? “Siempre estoy en movimiento, en constante cambio, nunca llego a un punto final como artista. Elijo sistemáticamente la experimentación y la investigación. Quizás huyo del mundo del arte, que le hace a uno muy civilizado, muy limpio”, precisa. La obra de Fabre se empapa con su obsesión por la metamorfosis. De ahí su pasión por los insectos. Una de las obras más llamativas de cuantas se expusieron en el Louvre era un autorretrato de Fabre como un gusano. “Los insectos son el símbolo de la metamorfosis, el puente entre la vida y la muerte”, señala. Y los medios, performance, pintura, escultura, fotografía, vídeo, no son más que sus instrumentos. “Yo soy un servidor de la belleza y elijo el mejor medio para la idea que tenga. Es el contenido el que define el medio”, dice un artista que se autodenomina “consiliente” y lo explica a su propia manera: “Es cuando observas el movimiento de un insecto y del ser humano y llegas a la conclusión de que es lo mismo”.

7 pecados capitales 7

Tomda de La Jornada

Josef Koudelka, por ejemplo, documentó la invasión soviética en Checoslovaquia

Los horrores de la ira permanecen en la memoria colectiva gracias a la utilización de la fotografía

Fabiola Palapa Quijas

La ira convierte al ser humano en auténtica fiera. Provoca indignación y enojo; también produce deseos de venganza y actos de ensañamiento. Esta pasión no conoce límites y puede ser la causa de un comportamiento violento contra la humanidad o con uno mismo.
En el mundo, la ira ha causado grandes catástrofes. Basta recordar la declaración de guerra de Austria contra Serbia que desencadenó la Primera Guerra Mundial, en 1914, para vengar el asesinato del archiduque Francisco Fernando, heredero del trono de Francisco José, y su esposa, Sofía Chotek, en Sarajevo.
Esos acontecimientos permanecen en la memoria gracias al fotoperiodismo.
Los años recientes, en diversas ciudades se han presentado exhibiciones fotográficas que muestran el belicismo de algunos países, a raíz de la rivalidad entre grandes potencias.
En México, la exposición Invasión 68: Praga, del fotógrafo checo Josef Koudelka, que se exhibe en el Centro Cultural Universitario Tlatelolco (CCUT), es un ejemplo de la ira de la Unión Soviética contra Checoslovaquia.
El gobierno soviético decidió invadir militarmente a Checoslovaquia para asegurar la hegemonía que conservaba entre los países del este europeo. Con aproximadamente 200 mil soldados y 2 mil 300 tanques, la URSS y los países integrantes del Pacto de Varsovia decidieron detener una reforma política que se alejaba del estalinismo.
Sin embargo, los soldados no esperaban la inaudita respuesta de la población civil, que con inteligencia se enfrentó a aquellos hombres armados con tanques que pensaban encontrar a personas sumisas ante el poder de la violencia. Desde el primer día de la invasión, el 20 de agosto de 1968, un joven fotógrafo, periodista de teatro y de gitanos, que volvía de Rumania, captó los primeros tanques soviéticos que entraban a Praga.
Sin experiencia en torno a sucesos políticos, Josef Koudelka se dedicó a retratar todo lo que veía en las calles. Posteriormente hizo llegar las imágenes, de manera clandestina, a la famosa agencia Magnum, en Nueva York. Su director en ese momento Elliot Erwitt decidió difundir los testimonios del fotógrafo checo, como firmó Koudelka, debido al temor de ser reprimido. Josef Koudelka, un año después de lo sucedido en Praga, recibió la Medalla de Oro Robert Capa, que otorga el Overseas Press Club de América, en forma secreta para protegerlo por documentar la invasión soviética a Checoslovaquia.
La exposición reúne 70 fotografías que se incluyen en el libro Invasión 68: Praga, la cual se ha presentado en Nueva York, Washington, y que posteriormente itinerará en China y Japón.

Memorial del 68

Asimismo, en el Centro Cultural Universitario se exhibe El Memorial del Movimiento Estudiantil de 1968, integrado por una instalación multimedia, cuyo contenido está sustentado por material de cine, video, fotografía y audio, así como objetos y documentos que contextualizan el movimiento en un horizonte historiográfico.
Aquí se refleja la ira de un gobierno contra un movimiento social, en el que además de estudiantes de la Universidad Nacional Autónoma de México y el Instituto Politécnico Nacional participaron profesores, intelectuales, amas de casa, obreros y profesionales en la ciudad de México.
Otro recinto universitario que presenta una exposición relacionada con la violencia como producto de la ira es el Museo Universitario Arte Contemporáneo. Se trata de El reino del coloso: el lugar del asedio en la época de la imagen. La exhibición se refiere a esa imagen que apenas deja ver hechos de violencia, considerando que la realidad de sucesos como la guerra y el terrorismo supera toda representación visual.
La fotografía es el medio más utilizado para mostrar el horror de las guerras y el sufrimiento infligido por la ira.

LaChapelle en México…

Seducción Voraz

Todo el glamour surrealista del fotógrafo estadounidense llega en una magna exposición

Sandra Sandoval
El Universal
Viernes 30 de enero de 2009

El Antiguo Colegio de San Ildefonso presenta la primera exhibición en México, y la más grande en América, del prestigiado y polémico fotógrafo David LaChapelle, llamado el Fellini de la fotografía, cuya obra es reconocida por sus imágenes glamorosas y mordaces.
“Delirios de la razón” está integrada por más de 60 fotografías distribuidas en seis salas, entre éstas una de videos musicales dirigidos por LaChapelle y una de videos making off de las piezas de gran formato: Deluge y la Pieta.
Del mismo modo, acoge parte de su última exhibición Auguries of Innocence, exhibida en Nueva York y la serie Star System; así como obras de su trabajo expuesto en el Palazzo Reale, Milan. Además de la colección Jesus is My Homeboy expuesta en Holanda.

LaChapelle se distingue por un estilo colorista e hiperbólico que emplea a menudo elementos pop y religiosos, y por dejar al desnudo las emociones más sórdidas y las pasiones humanas. Ha fotografiado a personalidades tan diversas como Tupac Shakur, Madonna, Amanda Lepore, Eminem, Pamela Anderson, Uma Thurman, Elizabeth Taylor, Hillary Clinton y Muhammad Ali, entre muchos otros.

Asimismo, como director de videos musicales ha trabajado para artistas de la talla de Christina Aguilera, Moby, Jennifer Lopez y Britney Spears. El video de No Doubt, It’s my Life con Gwen Stefani ganó el premio al mejor video pop en los MTV Video Music Awards y en 2004 obtuvo el premio como director del año en los MPVA’S.

Sus imágenes han aparecido en las portadas y entre las páginas de revistas como Vogue Italia, Vogue Francia, Vanity Fair, GQ, Rolling Stone y Flaunt, entre una extensa lista de prestigiadas revistas.

Obsesión por la lente

David LaChapelle (Fairfield, Connecticut, 11 de marzo de 1969), descubrió a los seis años su obsesión por la fotografía al retratar a su madre, Helga LaChapelle, en un balcón mientras bebía champaña.
La musa de LaChapelle Amanda Lepore (Armand Lepore), un icono transexual estadounidense, es la figura extravagante recurrente en el trabajo de LaChapell y es conocida por su exitosa carrera como modelo al ser la imagen de los cosméticos MAC y Swatch, entre otros.
Natural Blues El video que realizó para la canción “Natural Blues” de Moby, fue galardonado en el 2000 como Mejor Video del Año en los MTV Europe Music Awards, con el voto de más de siete millones de televidentes.

David Lachapelle. Delirios de razón/Delirium of reason
Antiguo Colegio de San Ildefonso
Justo Sierra #16, Col. Centro
De M a D de 10 a 17:30 hrs.
$45
Hasta junio 14

Los últimos cartuchos de la nostalgia…adios polaroid…

Tomada de El País

ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid – 11/01/2009

REPORTAJE: Fin de un icono pop

Los últimos cartuchos de la nostalgia

La desaparición definitiva de las películas Polaroid cierra una página en la historia de la fotografía – Un movimiento espontáneo reclama su salvación.

El ritual era sencillo: se apuntaba al objetivo, se disparaba apretando al botón y la película, acompañada por una ruidosa arcada, salía como una lengua negra de las tripas de la cámara. Luego, llegaban los 60 segundos de espera, que a veces resultaban eternos, en los que parecía brotar de la nada la imagen que había captado la Polaroid. Un momento que también se perderá en el tiempo.

• La cámara nació en 1944 por el capricho de la hija del fabricante
• “Fue la primera en saltarse el cuarto oscuro”, dice Joan Fontcuberta
• Warhol tomaba hasta 60 instantáneas para hacer sus famosos retratos

En 2009 se enterrarán definitivamente los últimos cartuchos de una cámara que cambió el curso de la historia de la fotografía, del arte y de la vida cotidiana de millones de personas de todo el mundo. “Polaroid inventó la primera técnica que se saltaba el cuarto oscuro, ofrecía una imagen inmediata y totalmente documental”, dice el artista Joan Fontcuberta, cuya obra ha estado estrechamente ligada a una técnica que supuso una revolución por dos motivos: “el aspecto lúdico de la cámara: es un juego de manos. Y por otro, la gran privacidad que permitió al hacer fotos únicas que nadie más tenía por qué ver”.

Fue el capricho de una niña lo que en 1944 cambió el rumbo de la historia de la fotografía. La hija de Edwin Land, el creador de las cámaras Polaroid, se quejaba de que en verano tenía que esperar demasiados días para ver las fotografías de sus vacaciones. El invento no se hizo esperar. “Fue como si todo nuestro trabajo hasta entonces sólo hubiese sido una preparación para lograr el proceso de una fotografía seca en un solo paso”, escribía Land.

El modelo más popular, la S-X 70, llegó en los setenta. En 1972 la revista Life le dedicaba una portada. El título: “La cámara mágica”. El diseñador Charles Eames escribió, rodó y filmó una película de 11 minutos en los que se explicaba el sencillo uso del aparato. Los actores más populares la anunciaban, era una cámara alegre. Y hasta el Museo del Vaticano la utilizaba para mostrar sus trabajos de restauración en las estancias de Rafael, también era una cámara seria. En definitiva, era algo que nadie podía perderse. A mediados de la década ya se habían vendido más de seis millones. Sólo era el principio. En manos de Andy Warhol (que realizó miles de retratos con ella) se convertiría en otro icono pop.

Polaroid dejó de fabricar en 2007 su cámara instantánea ante el auge de las digitales. A partir de mediados de los años noventa las ventas millonarias de la empresa habían empezado a caer, hasta que en 2001 se declaró en bancarrota. En 2008 vino el anuncio del cierre de las fábricas de sus carretes. Ante la oleada de foros (de www.savepolaroid.com a páginas especiales en Facebook y otras redes sociales) que pedían salvar la vida de los cartuchos, la empresa dejó abierta la posibilidad de vender la licencia. Hace unas semanas presentó su nuevo producto: la impresora de revelado instantáneo de bolsillo PoGo.

Rafael Doctor, director del Museo de Arte Contemporánea de León (MUSAC) y destacado experto en fotografía, cree que el fin de la vieja Polaroid está enmarcado dentro de la desaparición de la fotografía analógica, reflejo de un mundo “en el que desaparece la magia del objeto cotidiano. Y supongo que la gente de mi generación, los que rondamos los cuarenta, no estábamos acostumbrados a enterrar algo tan cotidiano”. Doctor también tuvo su Polaroid: “Con ella participábamos de la magia de la fotografía, la sorpresa de lo instantáneo, era un laboratorio en una pequeña caja”. Como el cineasta Ivan Zulueta, que en una exposición en La Casa Encendida en 2005 reunía 2.000 de sus 10. 000 polaroids. El cineasta comparaba el efecto de la cámara con el del Súper 8. Trabajar sin pretensiones comerciales, rodando por rodar y fotografiando por fotografiar. Zulueta dijo entonces: “Aquella maquinita tenía unas posibilidades enormes. Sólo había que leer el prospecto: No haga esto que entonces pasará aquello. Yo lo hice todo”.

Empujados por la filosofía de su creador, Polaroid fue además una empresa que desde el principio quiso acercar su invento al arte. “Hay tantas cosas que se podían hacer con una Polaroid, tantas posibilidades manuales”, señala Barbara Hitchcock, una de las responsables de la Fundación Polaroid y autora del libro que sobre sus fondos publicó la editorial Taschen. Andy Warhol, Helmut Newton, Luciano Castelli, Robert Rauschenberg, Chuck Close, David Hockney, Walker Evans… decenas de artistas buscaron otras formas de expresión con sus polaroids. “Las manipulaban, las recortaban, las pintaban, eran capaces de inventarse mil maneras de trabajar con la película. Hace unas semanas en una conferencia en Nueva York, uno de nuestros grandes fotógrafos, Ralph Gibson, decía que hoy tenemos que hablar de fotografía y de fotografía digital porque la técnica es determinante. Quizá él es mayor, pero no le falta razón”.

Hitchcock recuerda como Aaron Siskind, ya anciano, encontró en la Polaroid, la respuesta a sus ojos cansados: “veía mal, no podía enfocar con una cámara normal, y entonces descubrió la Polaroid, podía fotografiar casi sin ver, sin enfocar… es algo hermoso. ¿No?” Polaroid ha mantenido durante años un programa cultural que facilitaba material a escuelas y creadores. “Una filosofía ejemplar”, dice Joan Fontcuberta. “Era un perfil de empresa que cuidaba sus productos. Yo empecé con una de bolsillo, en los ochenta, que hacía fotos tamaño cartera. Al manipularla los efectos eran muy interesantes. Luego trabajé con la Positive/Negative 55, que era en blanco y negro y de la que salía una copia en negativo y otra en positivo. Por aquellos años Polaroid había ganado la batalla de la patente instantánea a Kodak y con el dinero que ganaron empezaron a mover por todo el mundo las actividades de su Fundación. Trajeron a España su cámara gigante, que sacaba unas instantáneas de gran formato y con la que también pude trabajar”. Para Fontcuberta el fin de la Polaroid forma parte del “darwinismo tecnológico”. “Lo curioso fue que al acabar con esa magia alquímica del cuarto oscuro, la Polaroid ofrecía algo totalmente inmediato y documental. Era una imagen absolutamente carente de trampas y de trucos. Era una cámara capaz de dar el testimonio exacto de nuestra vida”.

David Hockney logró con la cámara instantánea un diálogo con su propia pintura. Los mismos paisajes frente a frente. Andy Warhol (que también adoraba el juego de otra reliquia del pasado: el fotomatón) tomaba hasta 60 polaroids de sus modelos antes de retratarlos. Luego escogía cuatro de las instantáneas y las mandaba al laboratorio. De ellas se quedaba con una, la recortaba y la manipulaba, hasta, finalmente, ampliarla y serigrafiarla.

En los años setenta, Polaroid envió su popular S-X 70 y cajas y cajas de película gratis a una leyenda de la fotografía: Walker Evans. El fotógrafo que había retratado como nadie los rostros de la Gran Depresión ya era un hombre mayor, divorciado y de salud frágil. En sus manos, las pequeñas polaroids paseaban por un pastel mordido, un buzón o un pobre maniquí. Evans hizo una selección de 120 instantáneas para su libro Polaroids, un elocuente ejercicio de nostalgia documental que hoy representa el viaje sin retorno de un fotógrafo que, obsesionado con la perfección, prefirió despedirse con un guiño a la belleza de lo imperfecto.